Categoría: Blog

Your blog category

  • En busca del punto de caramelo

    La abuela escondía los mates de manjar blanco tan pronto llegaban los seis hijos de Chila a su casa del barrio San Fernando. Entre pailas y cagüingas nos recibían sus ojos azul germánico y su acento de pandebono. En la cocina dirigía la operación de recursos y ritmos para lograr el dulce perfecto. El recuerdo preciso de ese sabor después serviría de patrón para ponderar los manjares blancos del camino. Vine a descubrir tardíamente, leyendo Los enemigos del estilo de Julio César Londoño y asistiendo a su taller de escritura creativa, que para los escritores es clave perseguir ese entrañable punto.

    En culinaria se refiere a la concentración ideal que adquiere un almíbar tras la evaporación máxima del agua y la fusión del azúcar, enfriado en el momento preciso para evitar que se queme y amargue, o termine arenoso. Las partículas quedan reordenadas en un compuesto dorado, sabroso y de textura ideal, tras la inestabilidad previa al equilibrio óptimo.

    La técnica de caramelizar azúcar aparece por primera vez en registros del mundo árabe hacia el año mil, quienes perfeccionaron técnicas que habían aprendido de persas e indios; lo llamaron bola de dulce. El término, con sentido metafórico, surgió en el español coloquial posiblemente en el siglo XVIII, y significaba estar en el punto óptimo, listo para el fin deseable y deseado en el fino umbral entre lo bien hecho y lo malogrado, entre el exceso y la penuria.

    En el ámbito literario, como propone Londoño, la metáfora se extiende a una técnica fundamental en la estética de la escritura que se relaciona con el equilibrio perfecto del vaivén entre los diversos contrapuntos que componen un texto. En su artículo plantea la mezcla precisa de cuatro:

    El equilibrio entre adjetivos y sustantivos en un texto literario para buscar que la densidad de nombres sostenga la imagen o la escena, y los adjetivos la afinen y singularicen sin saturarla. Ni la pura acumulación de calificativos ni la sequedad nominal extrema: el texto respira cuando cada adjetivo tiene un peso concreto sobre un sustantivo significativo.

    El equilibrio entre los pasajes claros y los oscuros que permite al lector avanzar, pero también detenerse, extraviarse un poco y producir sentido, en lugar de entregarle todo resuelto.

    El equilibrio entre tensión y sosiego alternando momentos de incertidumbre, peligro o conflicto con pausas de calma, reflexión o estabilidad que permitan procesar la acción. Ni el nervio permanente ni la paz continua sostienen por sí solos el interés: la energía de la obra nace del contraste rítmico entre ambos estados.

    Por último, la oposición equilibrada entre lógica y paradoja que se logra cuando la obra mantiene una mínima coherencia interna mientras introduce tensiones que desafían el sentido común para producir significados nuevos.

    Se podrían adicionar más parejas de contrarios a las mencionadas en el artículo y que Julio César ha comentado en su taller: poesía y prosa, rigor y anécdota, candidez y perversión, entre muchas que un texto puede tener.

    El escurridizo punto se alcanza cuando la madurez funcional, el temple discursivo perfecto y el equilibrio exacto se funden sin quemarse ni arenarse y la escritura logra la textura perfecta. Al igual que en la cocina, alcanzar este punto requiere atención y cuidado constantes para evitar que la obra se queme por exceso o se cristalice por defecto. Es un equilibrio frágil que requiere destreza, cuidado y, sobre todo, el temple para retirar la escritura de la paila en el instante preciso.

    La riqueza de la expresión punto de caramelo, que es única del español, radica en que captura tanto la precisión temporal como la fragilidad del intervalo perfecto en la escritura de calidad. Una metáfora similar no existe en otros idiomas, que apelan a otras alegorías:

    En inglés punto óptimo se refiere al momento y al sitio cuando y donde todo funciona a la perfección. En francés dicen golpear cuando el hierro está caliente que significa “en su punto” o “justo como debe ser”. Se usa para describir algo cuando está cocido perfectamente con la connotación de actuar en el momento preciso antes de que se pierda la oportunidad. En japonés cuando un ingrediente alcanza su máxima calidad, concepto central en su gastronomía que significa “el momento perfecto de temporada”, cuando un ingrediente alcanza su máximo sabor y calidad. Captura esa ventana temporal crítica donde todo converge perfectamente. En árabe, tarab representa el momento exacto cuando se produce una conexión emocional sublime, caracterizada por armonía y equilibrio entre el artista y la audiencia.

    En todos los idiomas hay alguna comparación similar. Solo el español se refiere a la fusión afortunada entre la cocción del azúcar y la literatura. Es una hermosa y efectiva metáfora culinaria transformada en filosofía narrativa. Un texto tiene muchas capas, como una cebolla. Se trata de ajustar simultáneamente todas esas capas para llegar al punto buscado. Para lograrlo hay que recurrir a los vaivenes que genera el manejo consciente de las parejas en tensión. Ni exceso ni carencia, sino la medida exacta.

    Como cada cual tiene su versión del proceso, el ajuste de los contrapuntos no se logra con fórmulas rígidas, sino con principios flexibles que los escritores deben adaptar a la propia voz. Cada quién, cada vez. No es simplemente una técnica, sino la combinación de la escritura con una destreza que abunda en las cocinas. Cuántas vueltas me hubiera ahorrado si hubiera sabido que entre los sortilegios que rodeaban los fogones de aquella cocina remota se escondían las claves de la soltura para la manipulación óptima de las mezclas en la escritura creativa.

  • Peregrinos en el “Poble Sec”

    Caminar por Barcelona en invierno es un goce, mayor si el cielo está despejado y se tiñe del azul profundo del Mediterráneo. Recorrer la calle Poeta Cabanyes, cruzar frente a la casa natal de Joan Manuel Serrat y terminar subiendo la cuesta hasta una de las calzadas que bordea el Montjuic, singular. Al remontar el último escalón y respirar el aire dulzón de los algarrobos nos asalta la pregunta de cómo y por qué vinimos.

    A finales de 2021, cuando anunció su retiro de los escenarios con la gira El vicio de cantar surgió el deseo natural de despedirlo en Bogotá que seguramente sería la ciudad programada en Colombia. Pero el azar tiene sus recovecos. El 9 de diciembre a las dos de la tarde andaba de borondeo por internet y tropecé con un anuncio de venta de las boletas para el último concierto que realizaría el 23 de diciembre de 2022 en el Palau Sant Jordi de Barcelona.

    Por curiosidad pinché el enlace. Me asignaron un turno del orden de los 20.000. (El aforo es de 15.000 personas). Después de unos minutos me dio acceso a la página de compra. Las boletas estaban a punto de agotarse. Escogí un par de asientos en la fila 26 del segundo piso frente al escenario. Comenzó un pulso entre doña Prudencia y doña Fantasía: le doy clic, no le doy clic… Al final se impuso el descontrol de impulsos: clic. Qué susto; los pasajes, el hospedaje, la manutención, sin saber todavía cómo, suponía que llegarían por añadidura. Lo más complicado era contarle a Nhora Elena sobre la compra.

    Muchas veces damos por sentado que lo programado se materializa, pero los tropezones ocurren. Tres meses después tuve un infarto agudo catalogado como urgencia vital. Un cateterismo redentor y unos meses de rehabilitación me dejaron listo para seguir preparando el peregrinaje. Fue la mejor forma de aprender el significado de empujón brutal y carpe diem.

    Cuando llegamos a Barcelona nos esperaban en el aeropuerto Pepe y Edna, con quienes compartiríamos la noche de navidad y la fiesta de Reyes en Igualada, una población de la Cataluña profunda, bajo la mirada bondadosa de Adriana cuyas narraciones nos recordarían las condiciones feudales de sumisión y miseria que antecedieron a la guerra civil.

    Una vez instalados en el barrio L’eixample, todas las mañanas cruzábamos la calle para ir a papers i coses a comprar algunos periódicos. Leímos que la música de Serrat va directo al tórax. Que es un cantautor que no puede callar, porque tiene una voz interior que se hace oír a cualquier precio. Que impulsó a muchos a no tragar entero. Que se volvió un poeta necesario para la resistencia de los agobiados por la rutina y las angustias urbanas e introdujo en sus vidas dudas que les impulsaron.

    Sin embargo hay muchos locales que lo critican. Cuando le comentamos a una vendedora en una librería que llegábamos desde Colombia para el concierto, no le dio mucha importancia. “Aquí hay mejores cantantes” dijo refiriéndose a la Nueva Canción catalana.

    Sobrecoge y asombra la multitud que congrega. Él en el mirador lejano de su torre de marfil; nosotros acá, en los bordes de la estela que deja su paso. Hay que volar fuera de su ámbito porque todos los ídolos tienen pies de barro. Algo nos queda. Haber venido no fue moda, ni impostura, ni artificio. Nos congregaba una forma de mirar la vida con poesía.

    El 23 tomamos el autobús temprano. La mayoría de los pasajeros de la ruta B-23 íbamos para el concierto. Una cohorte de adultos mayores movilizados por la magia del mercadeo camino al coliseo. Había despliegue de fuerza pública debido a las personalidades que asistirían. ¿Por qué tanta policía si somos viejitos sin mucha fuerza para destruir nada?

    El auditorio se llenó lento formando una maraña de recuerdos. La tristeza y la alegría confluían en el enorme recinto. Qué sensación de tinaja a punto de desbordarse. Puntual, el telón lo parió sobre el escenario.

    —Proclamo mi despido por voluntad propia —dijo con algo de temblor trenzado con nostalgia.

    Tal vez por la tensión del adiós. A veces parecía un abuelo nostálgico y risueño, que le cantaba a un auditorio lleno de abuelos felices y rejuvenecidos al reconocerse en sus canciones.

    Nuestra vecina de asiento, Rosa Lajusticia, nos contó que su madre y su hermana conocieron al Nano y a su primera novia, a quien le compuso Paraules d’Amor. Fue una intérprete de lujo susurrándole al oído la traducción de las letras a Nhora Elena.

    Inició con Temps era temps. Siguió con Cançó de bressol, en la que castellano y catalán se entrelazan como su origen: madre aragonesa y padre catalán. Todos nos despedíamos al despedirle en medio del impulso poético de las canciones y lo refrendábamos con aplausos rabiosos y estridentes. Qué decir de la ovación que arrancó Mediterráneo y la emoción alada que desprendió Nanas de la cebolla, echando abajo la cárcel de Hernández por unos instantes y soltando una avalancha de ternura imparable. Y claro, Hoy puede ser un gran día, que sin duda fue; sobre todo cuando el público coreó Cantares. El punto de olla a presión que estalla llegó cuando el auditorio vuelto coro cantó Paraules d’Amor. Para el final reservó Una guitarra, de su primer álbum, instrumento tuvo que cambiar porque mal funcionó. El telón se lo tragó después de 2 horas, 16 minutos y 31 segundos de arrebato.

    Salimos caminando a paso lento en medio de un silencio introspectivo y ceremonial. Bajamos durante veinte minutos la cuesta, nostálgicos y felices, para adentrarnos en el bullicio urbano de la plaza España. Parecía una procesión o un funeral. Por esos cruces fortuitos de los circuitos neuronales, recordé a mi padre, quien de seguro en Cali marcaría el ritmo de alguna canción cubana con la clave, la última ancla que le quedaba a los 98 años. Y recordé que cuando subimos las escaleras del olvido, lo último que nos queda en la mochila es el golpe de la música.

    —Adéu Nano —perdona que me despida así, tan confianzudo.

  • El anciano y la mar

    En el cuento de Borges Pierre Menard, autor del Quijote,  Pierre, un oscuro poeta simbolista francés de comienzos del siglo XX se embarca en la quijotesca tarea de escribir totalmente de nuevo el Quijote. Lo cual hace letra a letra, punto a punto. “No quería componer otro Quijote —lo cual es fácil— sino el Quijote”, dijo alguna vez. Un intento, en apariencia atrevido y loco. Al final solo logró escribir dos capítulos y un fragmento.

    ¿Volver a escribir una obra? ¿No es ese el oficio del traductor? Como Pierre; con su misma obsesión por la fidelidad. Hasta el punto que alguien podría creer que traducir es el arte de volverse invisible para transferir sin distorsión palabras entre lenguas, que una de las cualidades más deseables del traductor sería la transparencia, y que —tal vez como un prestidigitador— debería ingeniar la forma de que sus “juegos de mano” no sean percibidos por el lector. Así aseguraría que el trasteo de las obras entre las lenguas se hiciera sin fricción ni grandes pérdidas.

    Sin embargo, en otro extremo están los que piensan que un traductor siempre puede y debe tomarse las libertades necesarias para lograr lo que cualquier escritor literario busca: una obra convincente; como afirma el mismo Borges, hasta el punto de sentenciar que “el original puede serle infiel a la traducción”.

    El fin último del artista traductor es conservar la obra de arte literaria, así que en su reelaboración trata de que las palabras vayan más allá de la fidelidad al significado para conquistar una lealtad mayor: el espíritu del impulso original, vaciado en sus propios signos estéticos.

    Por otro lado, las artes visuales gozan de gran libertad al procesar las obras literarias. Tomemos el caso de The Old Man and the Sea, la obra de Hemingway que fue llevada al cine en tres ocasiones. En dichas versiones, la cinematografía adaptó (distorsionó), y al adaptar las alejó inevitablemente del original. La adaptación requiere una lectura previa a fondo que después se reelabora, como la traducción. ¿Entonces, por qué no atrevernos a formular una retraducción creativa de esta obra?

    Para ello hay que dar un primer paso: colocarla a la sombra del Relato de un náufrago de García Márquez. Entre ambas obras existen interesantes semejanzas y conexiones: transcurren en su mayor parte en la soledad de un bote o de una balsa en el mar Caribe; encarnan la lucha por la supervivencia y generan héroes. Las dos tienen una base real, la de Hemingway: en sus propias experiencias y las de algunos pescadores cubanos. En particular, uno que llegó a puerto con un enorme marlín atado a un costado del bote, casi sin carne por las mordidas de los tiburones. Por su parte, el relato de García Márquez se basó en las entrevistas que sostuvo con el marinero Luis Alejandro Velasco sobre su experiencia de supervivencia en el mar después de permanecer a la deriva. Se confeccionó en “veinte sesiones de seis horas diarias, durante las cuales yo tomaba notas y soltaba preguntas tramposas para detectar sus contradicciones, logramos reconstruir el relato compacto y verídico de sus diez días en el mar”. Acordaron escribirlo en primera persona  firmado por el marinero Velasco. Ambos son relatos de extensión media que se publicaron por primera vez por entregas: uno en la revista Life en 1951; el otro en el periódico El Espectador en 1955. Se podría decir que son una suerte de gemelos.

    ¿Por qué no buscar que la comparación de The Old Man and the Sea con la traducción al inglés del Relato de un náufrago que hizo Gregory Rabassa genere un efecto garcía márquez sobre el original de Hemingway? En la práctica la cosa sería así: buscar palabras y expresiones que estén en ambos textos. Al encontrarlas buscar cómo las empleó García Márquez en el relato del náufrago. De este modo se podría lograr incorporar en la traducción el vocabulario y algunas cuerdas de la redacción del Relato del náufrago. Hipotéticamente: si García Márquez hubiera sido el traductor ¿cómo habría lidiado con las dificultades de traducción?

    En un segundo paso, se trata de lograr el efecto santiago, que le devolvería al pescador la autoría del relato que el uso de la tercera persona en la versión de Hemingway le arrebató. En la totalidad del libro hay una versión “subyacente” en español que hay que recuperar. En la mayor parte el libro es el flujo de consciencia del pescador cubano que Hemingway tradujo al inglés. Ese original de seguro ya no existe, entonces hay que reconstruirlo colocando a Santiago en el rol de narrador para que reconquiste la historia.

    En un tercer paso, para obtener una primera versión, y para asegurar el refinamiento de la textura en español del relato, el borrador se comparará con dos versiones previas; la del peninsular Lino Novás Calvo —versión que se ha considerado como la traducción oficial al español porque recibió la bendición de Hemingway, y en la cual intervino—, y la del mexicano José Agustín. De la comparación del primer borrador con dichas traducciones se obtendrá una réplica del texto más cercana al original que la traducción de Ernest Hemingway difundió en inglés.

    Al final, el inicio de la novela corta reescrita a la manera de Pierre Menard y retitulada como El anciano y la mar, quedaría así:

      Me acostumbré a pescar en solitario en un bote en la corriente del Golfo. Hoy completé ochenta y cuatro días sin pesca. En los primeros cuarenta días me acompañó un muchacho. Pero después de tanto tiempo sin capturas, sus padres le dijeron que no había nada que hacer, que me había salado para siempre…

    1. Orlando Mondragón: Cuando un poeta empuña el bisturí

      El mundo entero es nuestro hospital.
      T.S. Eliot

      Médico cirujano y psiquiatra, nació en Zirándaro, Guerrero, en 1993. Hijo de un profesor de matemáticas y una maestra de primaria en un pueblo de menos de tres mil habitantes. A los doce años se mudó a Ciudad Altamirano y en 2010 a Ciudad de México para estudiar medicina. “Cuando era muy pequeño descubrí que yo era distinto porque me gustaban los demás varones. Y ese sentimiento de desprotección me llevó o me inclinó a querer proteger a los demás.”

      En 2021 con el libro Cuadernos de patología humana ganó el premio Loewe de Poesía. Fue el primer poeta menor de 30 años en recibir el galardón. Es un libro menudo de 65 páginas en tamaño media carta. Lo componen 27 poemas intercalados con 14 prosas poéticas denominadas Suturas. En palabras de Margo Glantz, jurado del premio: “es un manual de procedimientos hospitalarios. Un poemario de una extraña belleza, recorre una a una las distintas salas donde lo espera la muerte y, si no fuera melodramático, diría que en este poemario la muerte es bella. Allí, lo sucio, lo siniestro, se explora con metáforas de extraordinaria belleza”.

      En el atiborrado mundo de un hospital, un joven médico anota, no solo cuestiones de clínica sino observaciones que desbordan lo convencional. Se da cuenta que es un potencial paciente, mortal al igual que todos; y con fervor y constancia eleva en palabras el registro de su percepción poética hacia una estética sublime y descarnada. La humanización de la medicina que logra en sus cuadernos es notable, para hacerlo hay que tener una sensibilidad muy especial.

      Desde los primeros versos se nota que el libro va de dos faces, desde el médico y desde el enfermo:

      Le tomo la mano a mi enfermo
      para saber que sigo vivo.

      Dice de un paciente que acaba de morir.

      El médico ausculta, huele y reconoce el olor de la muerte al caminar por los pasillos; registra la presencia silenciosa de los que recogen deshechos y limpian; contempla a los enfermos y sus cuidadores en la noche. Asigna etiquetas sentenciosas: La vida comienza con un exilio. Nota que hay supervisores que borran los nombres de las pizarras de los enfermos con la misma mano de la muerte. En todas partes se atraviesa el rigor de la corporeidad, la percepción de los que atienden los asuntos de la carne y sus complicaciones orgánicas. Una madre primeriza amamanta al bebé:

      […] Una por una
      reviso las costuras de la noche.
      Abre su bata
      y de su seno brota el líquido
      que al escurrir sobre la tela
      forma un círculo
                                    cálido
                                    dulce.

      Afuera, la luna llena se detiene
      y mancha los hilos del cielo nocturno.

      Qué ganas de sorberla.

      Hay una secuencia de una urgencia que termina en muerte, que nos deja sin aire. Puede uno imaginar las bromas de los estudiantes en la clase de disección de cadáveres. Nos sorprende con la perplejidad de la enfermera cuando los párpados del muerto se levantan. El poema a la médica amiga que tiene cáncer de tiroides, es conmovedor. En la cama cinco está Cristo. Los recién nacidos llegan con un corazón en blanco. El médico recuerda con malestar que desconectó un enfermo del soporte vital. En cuartos contiguos, ambos heridos, el atracador y el atracado; el atracador sobrevive. En el poema X el médico aterrado escribe:

      Escribo para que el tiempo
      realice el inventario
      de los hechos.
      24 de octubre.
      Tengo un niño que nació
      muerto en mis brazos.
      La madre no quiere cargarlo.
      ¿Dónde lo pongo?

      Alguien muere en la sala de urgencias. Le aconseja paciencia a la madre del niño enfermo. Ayuda a la nieta de una anciana con Alzheimer. Describe al conductor de la ambulancia. Describe la habitación donde está el armario de los frascos de formol. Reflexiona sobre la gasa, el bisturí y la jeringa. En medio de los afanes hospitalarios tiene una epifanía: Las palabras manchan lo que nombro.

      Los poemas en prosa que denomina Suturas giran alrededor del rojo sangre. Escandalosa y tropelera. Brota en la urgencia vital. Colorea el nacimiento manchando los guantes del médico partero. El regreso del rojo a la piel del brazo del niño significa vida. El azul y el rojo rivalizan en la sala de operaciones. El extremo rojo de la luz cuaja en misterio. El viaje interior del rojo en las células transmuta en energía. La sangre torna resbaladiza la superficie del piso. La sangre es enredadera de palabras que brota desde la boca del médico. Rojo es la expresión máxima del dolor. Iniciamos el viaje desde un diminuto círculo de sangre. Un trazo rubí persigue al médico cuando deja el hospital, como un perro fiel.

      El poemario tiene un tono de respuesta de oráculo: que nadie se engañe, parece decir el médico, que funge de pitonisa: la vida es una gran tragedia cercada por el nacimiento y la muerte. En el trayecto: dolor, sufrimiento e incertidumbre. A veces nos ofrece la respuesta en forma de enigma. Creo que Orlando en este libro, como los mexicas: afirma que el ser humano es un ser para la muerte y que todo en la vida está orientado hacia ese destino final. Me atrevería a decir que incrustada en su libro hay una catrina: la muerte no vista como un final absoluto, sino como una etapa más del leve ciclo vital dentro de la delgada biosfera.